Mala Estrella, The Second Station: Dioses, demonios y sacrificios

Ha pasado un tiempo ya desde que Henar Torinos irrumpiera en el mercado del manga español gracias a una de las primeras obras publicada por la entonces novata Ediciones Babylon. Ya en su día hice mi reseña sobre el primer tomo, que me gustó bastante . 

Este segundo tomo concluye la historia iniciada en el primer tomo de Mala Estrella, y tras leerlo puedo decir que ha conseguido hacerlo de la mejor manera posible.

La historia ha evolucionado y la autora ha sabido desarrollarla y terminarla de una forma muy natural y al ritmo que necesitaba. El genial trasfondo filosófico que a mí personalmente me encandiló sigue presente, y de hecho se potencia bastante y se trata de una forma interesante. Poco más puedo añadir a la historia, simplemente el punto más potente sin duda del tomo y con derecho propio.

Portada y contraportada de Mala Estrella: The Second Station

Hablemos del dibujo, que en esta ocasión nos da una sorpresa bastante agradable:

El trazo ha mejorado muchísimo, y eso que apenas ha pasado un año, aún se nota que es trazo digital, pero está mucho más natural y suelto que el del primer tomo, algo que ayuda al espectador a notar que su autora ha puesto muchísimo cariño y esfuerzo a su dibujo. 

La anatomía está más currada, menos idas de olla que la anterior vez, y todo mucho más trabajado, pocas cosas podré decir en este apartado. Más trabajado que en el tomo anterior, pocos fallos y los que hay necesitas ser un obseso anatómico (como me ocurre por si no lo habíais adivinado).

Los diseños están mejorados respecto al tomo anterior, aunque es un puntillo a veces un poco flojillo, quizás el que menos destaca, pero aún así también demuestra evolución.

Los escenarios ya no pecan de esa sensación de haber sido pegados usando el Manga Studio, y eso ha dado lugar a que la gente pueda meterse dentro sin pensar que algo no encajaba de lo perfecto que era antes. La autora tomó nota y lo ha mejorado, ahora los escenarios están mucho mejor y más conseguidos, mi aplauso para Henar.

Definitivamente la autora ha dado todo lo que ha podido para mejorar y no ha sido en vano, se le nota mucho y eso le ha ayudado a que el producto final tenga visualmente una factura impecable.

Como resumen debo decir que este tomo supone que os hagáis obligatoriamente con el primero y que os los leáis de un tirón, disfrutareis de una muy interesante historia y además vereis cómo mejora espectacularmente su autora. Un tomo muy recomendable y sobre todo con un muy buen nivel en todos los aspectos.

Culturas distintas, mismo amor al manga

No suele gustarme mucho entrar en polémicas sobre dibujantes, básicamente por que la gente suele esgrimir razones que no comprende o que no conoce y lo pone en boca de aquellos que nunca han movido los labios, pero en esta ocasión debo responder ante esta polémica que considero injusta, insultante y sobre todo humillante.

Hablo del clásico debate sobre el nivel de los dibujantes españoles, un tema que en mi opinión se habla mucho sin estar dentro y sin saber más o menos qué ocurre entre bastidores. En este caso se compara a los dibujantes españoles con los japoneses, cuando son mundos distintos a casi todos los niveles y por razones muy distintas.

La gente que compara a los dibujantes españoles con los japoneses y su nivel y/o acabados debería saber básicamente que hay unas cuantas diferencias respecto a ambos que son realmente importantes y decisivas. Comencemos enumerando y comentando unas cuantas:

• Los dibujantes japoneses cuentan con un equipo de asistentes que les ayuda en su tarea. En España jamás he oído que haya autor alguno que tenga un equipo de asistentes, y debe ser el propio autor el que deba hacerlo todo él solito, desde guión a bocetos, lápices, tinta, tramas y un montón de cosas más.
• Los japoneses viven inmersos en su propia cultura y productos, como es obvio, así que el sentido de la narrativa del manga japonés lo llevan asimilado desde muy pequeños. Aquí tenemos una cultura (por desgracia) menos dedicada al cómic en general, el que le guste esos temas debe sumergirse mucho más tarde. Es normal entonces que la narrativa varíe, lo que no lo hace mala, de hecho lo hace más interesante y variado.
• La cultura japonesa es una cultura excluyente, eso quiere decir que todo lo exterior lo rechazan, son una cultura que se autoalimenta y en el mundo del manga mucho más. La mentalidad europea y nuestras culturas han hecho que acabemos recibiendo un montón de influencias culturales de todo el mundo y las incorporemos a nuestras obras, cosa que se nota.
• Los dibujantes japoneses tienen unos sueldos estipulados, no son ricos pero tampoco se mueren de hambre ni mucho menos y pueden dedicarse sobre todo a su trabajo como dibujantes. En España, debes combinar en tu tiempo libre tu manga con un trabajo normal o si no es imposible sobrevivir económicamente hablando.
• La figura del dibujante en Japón es bastante respetada e incluso hay universidades que dan clases sobre manga. En España, decir que eres dibujante es exponerte a insultos y a que la gente te mire por encima del hombro menospreciando tu trabajo.

Y estas son varias de las razones que se me han ocurrido a la hora de realizar este post, como vereis lo tenemos más difícil a todas las alturas y aún así siguen emergiendo grandes artistas a pesar de todas las dificultades que tenemos en contra.

Antes de comparar a un autor japonés con un español o viceversa, pensad en las diferencias que hay a todos los niveles y vereis que aún así el manga patrio tiene un gran nivel y que si muchas obras nuestras llevasen un nombre japonés de firma nadie lo notaría y podrían incluso gozar de excelentes ventas. Lo primero para podernos equiparar a un país tan potente como japón en el mundo del manga sería apoyo y sobre todo confianza en nuestros fantásticos autores.

La crítica y la forma de hacerla

Como artista, quisiera hablar un poco de la crítica, esa espada tan afilada que pueden ser esgrimidos con mayor o menor acierto (y en ocasiones con ninguno) y muchos (me incluyo yo también) temen de una manera u otra. También intentaré de paso enseñar qué tipos de crítica deben y no deben de hacerse e incluso, qué aporta artísticamente una crítica y lo útil que puede ser en buenas manos.

¿Qué es una crítica? Intentaré ceñirme a la definición de crítica, pero adaptándola al medio artístico. Una crítica es una opinión formada por argumentos (positivos y/o negativos) que pretende darnos un punto de vista personal (una crítica objetiva en el arte es imposible) sobre una obra. Hasta aquí creo que nadie puede perderse y que es fácil de entender.

Rob Liefeld se merece un libro o veinte de críticas

El problema de la crítica, no es esta en si, si no el uso que se le da. Cualquiera es capaz de hacer una crítica, pero no todos son capaces de hacer una buena crítica. Y a consecuencia de esto se crean una serie de críticas en las que no se busca la valoración de una obra, si no desvirtuarla mediante todos los medios habidos y por haber.

Normalmente, la gente que se dedica a hacer este tipo de críticas en el mundo del cómic suelen ser gente que no tiene muchos conocimientos acerca de lo que habla o está comenzando y aunque muchos aprenden con el tiempo los valores que hacen de una crítica una herramienta de creación, otros optan por usarlas como armas de destrucción masiva.

Del arte moderno no sería capaz de criticar, no sé con qué meterme o no...

Yo divido las críticas en dos categorías distintas: críticas constructivas y críticas creativas ¿Cúal es su diferencia? Las críticas constructivas sirven a un fin, que es el de ayudar al creador de la obra a mejorar y crecer como artista haciéndole ver cosas que este último no es capaz de ver por si mismo. Las críticas destructivas solamente se hacen con el objetivo de denigrar tanto a la obra como al autor de esta sin ofrecer nada sobre lo que el autor pueda trabajar para no presentar los mismos fallos en el futuro.

Evidentemente al artista le interesa la constructiva, donde puede encontrarse ideas que le ayuden a madurar y a mejorar. Aunque hay que decir que también hay tipos de críticas constructivas que no deben hacerse. Aquellas donde sólo predomina lo bueno no son creíbles, aunque duela reconocerlo, todos los artistas tenemos puntos débiles donde sabemos que somos más vulnerables. Y claro está, una en la que se ensalcen los fallos, aunque no llegue a ser una destructiva, tampoco es creíble, se puede ser malo, pero tener puntos buenos.

El arte siempre es subjetivo

"La virtud está en el punto medio", así que haremos caso a este dicho y haremos una crítica donde haya tantos puntos buenos como puntos malos. El artista debe saber en qué falla para arreglarlo y en qué es bueno para enfatizarlo. Es bueno (y más que recomendable) que se tengan los pies en el suelo y que el ego no se infle cual globo.

Los puntos deben contener sobre todo además de la enunciación del fallo o acierto, una explicación de por qué se destaca ese punto, no es muy útil una lista donde no se da ninguna razón de por qué se dice eso. Siempre debe haber una explicación detrás que nos ayude a comprender nuestro fallo o acierto y poder seguir creciendo.

Yo me imagino así a un crítico

Otro punto importante es saber asumirlas. No hay que ser cerrado y hay que saber aceptar las críticas (sólo las constructivas, las útiles y las que no provengan de un troll), una buena crítica puede hacerte avanzar como artista y ganar confianza como tal. Cerrarse a aceptar opiniones sólo conllevará a un menor crecimiento y una mente cerrada que no aprenderá cosas que le resultarán a corto, medio y largo plazo beneficiosas.

En resumen, una crítica es una muy importante herramienta para un artista,  siempre que se haga por una persona que entiende y que sabe cómo transmitirla. No hay que tener miedo a la crítica, hay que saber aprender y saber crecer mediante estas, con lo que merecen más respeto que miedo. A partir de ahora procurad dedicar unos minutos para repasar algo que le diríais a un artista sobre su obra y cómo decírselo.

El problema del público español

A pesar de que en España hay un nutrido grupo de amantes del cómic en todas sus ramas (entiéndase ramas como manga, cómic americano, cómic europeo y demás) tenemos un serio problema que creo que aunque está presente en otros países en el nuestro está demasiado marcado: La estupidez y lo cerrado del público español.

No estoy diciendo que el público en si sea estúpido. Me refiero a aquellos que se quedan anclados para bien o para mal dentro de una rama del cómic y no saben más que mostrar desprecio e insultar hacia otras variantes. Y desde el punto de vista artístico hay también unas cuantas joyas relativas a cómo se debe trabajar según estilos, joyas que además he visto repetidas hasta la saciedad una y otra vez sin ningún sentido y sobre todo carentes de racionalidad.

Leinil Yu ilustrando una portada de los X-Men

Por supuesto que hay gente que no entra dentro del grupo de los cerrados de mente, y disfruta sin ningún problema las obras de toda la esfera de la narrativa gráfica independientemente de su nacionalidad, pero desgraciadamente, eso es de lo que no abunda e incluso son estigmatizados e insultados por sus gustos variados (demencial esta actitud).

Y si encima ya hablamos por supuesto de lo maltratados que son por el público los autores españoles (ahora menos que antes, hay que reconocerlo) nos daremos cuenta que tenemos un problema, que no sólo es grave, si no que es absurdo, pues tenemos un gran elenco de artistas capaces de eclipsar a muchos autores extranjeros en sus propios territorios y encima deberíamos sentirnos orgullosos (yo me siento orgulloso) de ellos.

Madureira ilustrando Ultimates Vol 3

Yo no sé vosotros, pero no concibo ser capaz de perderme la geniales obras de Leinil Yu como Superior o Silent Dragon, de Joe Madureira, Battlechasers, de Yang Kyung-Il, Defense Devil, de Belén Ortega, Himawari, de Studio Xian Nu, Bakemono, de Kenny Ruiz, El cazador de rayos, de Ryan Ottley, Invencible, de Takeshi Obata, Bakuman y un larguísimo y creciente etc, sólo por que pertenezcan a una rama a la que tengo menos tendencia a leer.

Soy incapaz de comprender la razón de por qué el que te guste el manga te convierta automáticamente en enemigo del cómic americano o viceversa. Sencillamente, disfruta de todo lo que tienes a tu alcance, que no todo el manga ni cómic americano, es genial ni es mierda. Es cierto que siempre se puede tender hacia un tipo de cómic, pero eso no ha de ser razón para renegar del resto por simple obcecación absurda y sin razón de ser más que una discriminación estúpida basada en la forma de relatar una historia.

Bakemono de las magníficas Xian Nu

Aprovechando mi fanatismo sobre Joe Madureira, decir que fue el pionero de un estilo que ciertamente aprovechó lo mejor del mundo americano y japonés, revolucionando gráficamente la industria del cómic y creando lo que hoy en día se ha dado en llamar el amerimanga, dejando claro que no sólo no son opuestos, si no que incluso son combinables con un más que agradable resultado.

También me he encontrado con artistas que tienen miedo de salirse de un estilo y dejar de ser considerados manga o americano por ejemplo (los cito por que son los más populares) cuando deberían ser más abiertos y ver qué pueden encontrar que les complemente en otros estilos. Incluso he encontrado a gente que por mi estilo (amerimanga, con mucha mezcla de estilos entre coreano, japonés y americano) me llaman traidor por no estar de parte de uno o del otro, si no de coger cosas de los demás como si fuese "trampa".

Himawari por la genial Belén Ortega

Históricamente sería recomendable recordar a esta gente que la música rock fue creada cuando se juntaron tanto el country como el blues, dejando claro que el mestizaje cultural (salvo contadas excepciones) suele tras más ventajas que desventajas. 

Hace tiempo hablando con Diana de Studio Kosên, recibí una de las palabras que más se me ha quedado dentro y que puede aplicarse a todo: "Manga no es un dibujo copiado de un autor de la Jump, es una forma de narrativa". Y tiene toda la razón, he visto dibujantes con un estilo muy ajeno al manga publicar en revistas japonesas y a dibujantes americanos publicar con algo que parece mas bien manga.

El Cazador De Rayos por el inimitable Kenny Ruiz

Me despediré diciendo una cosa que yo creo que enmarca lo que pienso sobre este problema: las etiquetas sólo son etiquetas, en el fondo son historiar creadas para que los lectores las disfruten y todos lo podemos hacer por igual sin importar su procedencia o estilo.

Distribución digital en España

Este tema dará mucho que hablar dentro de un tiempo (no mucho) en el ámbito de los cómics en España. Con el avance de las nuevas tecnologías era inevitable que se empezara a pensar en otra forma de vender el material adaptándolo a los nuevos medios que aparecen y en esta ocasión, le ha tocado el momento al papel de convertirse en datos y pasar a ocupar las pantallas de los dispositivos móviles.

De hecho, el cómic no es el único de los entretenimientos que ha pasado a engrosar las filas de aquellos que aprovechan las bondades de lo digital. Steam, la plataforma de juegos de Valve, fue la primera de su estilo en salir y con unos precios y ofertas muy competitivos que hacen que sus clientes estén bastante contentos con ellos, lo que ha resultado en una de las apuestas más fructíferas dentro del entretenimiento digital.

Joker de Kaoru Okino posee su correspondiente versión digital a 2,95€

En EEUU ya hay editoriales que editan sus cómics en ambos formatos, como Marvel, que para destacar una de sus ofertas y hacernos una idea de por donde tiran estas, con la copia física del cómic que comprases te llevabas la copia digital gratis (interesante y chollazo en mi opinión, un 2x1 en toda regla). Y poco a poco, va cuajando entre el público con más o menos éxito, pero va consolidándose una plataforma con unos precios y ofertas interesantes.

En España, creo que puedo decir que vamos (como casi siempre en estos temas), a la cola en temas de adaptarse a las nuevas tecnologías. Aunque que yo conozca, creo que sólamente la editorial Ediciones Babylon se ha animado a editar digitalmente sus obras y sin miedo a que me digan que hago publicidad gratuita (no me pagan, ojalá), a un precio muy razonable y con unos extras muy apetecibles, algo que se agradece y que me parece una estrategia muy digna de reconocimiento y de un aplauso.

Marvel regala copias digitales de sus cómics con la edición física

El problema de esto es que los que deberían haber intentado comenzar esta nueva tendencia no son las pequeñas editoriales, si no las grandes, tales como Glénat, Norma u otras, que tienen una base bastante amplia de seguidores y compradores, de la que una parte (pequeña, eso sí) comenzaría con el consumo de las adaptaciones digitales.

Aquí aún no se ha comenzado a adoptar la idea de comprar digitalmente según qué cosas, ya sea por desconocimiento de los compradores o (por desgracia) por culpa de editoriales de libros que pretenden aprovecharse de la gente cobrando productos digitales (que no requieren de muchas cosas de su distribución física) a precio de formato físico, algo que yo creo que debería ser perseguido y corregido.

Kindle Fire, libro digital de Amazon

Las ventajas, está claro, son inmediatas, disponibilidad total, a cualquier hora, en cualquier lugar, y a unos precios interesantes. Ese cómic o manga que siempre quisistes pero te parecía caro, el no tener que acercarse a tu tienda para poder obtener tu último número o el poder llevar varias colecciones dentro de tu dispositivo móvil favorito sin tener que crearte una hernia. Reconozco que yo soy más de comprar en papel, pero que si me ofrecen precios interesantes, compraré digital, evidentemente (con Steam igual, prefiero el formato físico, pero hay ofertas irresistibles y siempre se acaba picando).

La mayor desventaja es la picaresca de las grandes editoriales (y no me refiero a las de cómics), que pretenden cobrarte por un servicio que les cuesta mucho menos un precio que en ocasiones (y de una manera absura), logra superar al físico. Esta es la mayor desventaja que puede ofrecer este formato a día de hoy en mi opinión.

Ejemplo de cómic en un iPad de Apple

¿Es algo a rechazar o a recibir con los brazos abiertos? Evidentemente la segunda opción, la opción física siempre estará, pero poder conseguir tu cómic al instante, y poderlo llevar contigo a todas partes, además de un precio más bajo, creo que es algo que ayudará a que crezca una vez el mercado de los libros electrónicos vaya aumentando. En unos años, será tan normal comprar cómics digitales como lo es ahora comprar su versión de papel.

Pequeños dibujos e ilustraciones incompletas (por ahora)

Aunque inicialmente comencé este blog con el objetivo de dar a conocer mi obra, últimamente no he colgado demasiadas cosas, así que aprovecharé la fiebre de postear que he tenido últimamente y enseñaré un poco qué me traigo entre manos y cómo ha evolucionado mi dibujo en estos días.

Lo primero es que llevo ya una temporada intentando adaptar mi estilo a mis gustos, que son diseños coreanos, japoneses y una muy fuerte influencia americana en anatomía. Así que qué mejor forma de intentar aprender más los trucos de los americanos que dibujando y estudiando estilos.

Lo primero fue el dibujar a uno de mis personajes favoritos de Battle Chasers (Joe Madureira, por si alguien lo dudaba), Calibretto, el golem de guerra:

Un primer estudio de la cara del personaje

Tras el estudio pertinente del personaje (no pondré todos los que hice, por que sería todo un agobio), procedí a hacer una ilustración, y he de confesar que me cuesta mucho hacer una ilustración, y sobre todo soltarme en tamaños grandes, pues me malacostumbré a dibujar pequeños estudios y me quedé encajonado (cosa que no quiero que le ocurra ni a mi peor enemigo):

Ilustración de Calibretto

Debo reconocer que al principio me costó, sobre todo por culpa de los innumerables detalles que le gusta poner a sus personajes el creador original, pero ha sido realmente divertido soltarse en los lápices con este mamotreto al que tengo cierto cariño

También intenté unos días antes hacer una composición triangular con unos personajes muy al estilo Battle Chasers... pero reconozco que la chica me salió mal y es lo que estropea todo. Aunque después me puse a dibujar mujeres por separado y conseguí arreglar los fallos que provocaban que se viera raro. Eso sí, el efecto de la espada clavada en la tierra rompiendo esta, y el tío en primer plano me gustó, algo saqué de esta ilustración fallida.

Homenaje fallido, pero del que saqué un par de cosas claras

También intenté hacer una pequeña ilustración para homenajear Battle Chasers, pero esta fue antes de realizar el estudio de Calibretto, con lo que el personaje no está tan bien como en la ilustración anterior y por otro lado, Garrison me ha quedado feo y tendría que haber dejado más sitio para Knolan, Gully y Monika. Otro fallo que me ha dejado claro que hay que organizarse primero antes de lanzarse a lo loco.

Intento de Homenaje a Battle Chasers, fallido pero con errores aprendidos

Y esto es parte de lo que he estado haciendo estos días, pero de momento no muestro más cosas por que hay ideas que aún quiero mantener en la oscuridad hasta que las avance un poco más, pero notareis una gran mejora respecto a otros dibujos que he hecho antes (o al menos eso creo yo) ¡Un saludo y hasta pronto!

El manga español

Llevamos un tiempo asistiendo ya a un evento que hace unos años hubieramos considerado poco menos que imposible: el manga español se está haciendo un hueco entre los lectores y de una forma bastante interesante.

El propio mercado nacional rechazaba o no daba a conocer lo suficientemente (injustamente) a aquellos que se habían querído hacer un hueco en el panorama del manga en nuestro país, normalmente con un fuerte rechazo por parte de sus compatriotas.

Ataraxia de Manu López

En parte, fue culpa de aquellos que, aprovechando la entrada del manga en nuestro país, publicaron mucho material patrio con muy baja calidad en todos los sentidos. Siempre hubo alguna que otra joya, pero principalmente predominaba aquello que no tenía ningún sentido y ningún valor. Eso produjo que los lectores se cansaran de que les tomaran el pelo por dejar publicar cualquier cosa y tachasen el producto nacional como basura.

Eso ahora mismo está cambiando como se puede ver en editoriales como Norma y su concurso de manga, cada año más espectacular (quitando algún título... flojo), Glénat con su línea Gaijin y pequeñas (que no peores) editoriales como Nowe o Babylon que también hacen una parte de este arduo trabajo.

Underdog de Noiry

Sin duda, aunque sea un futuro (y presente) muy prometedor, deben aún producirse más cambios dentro de lo que es el mundo de la publicación en España, tanto por parte de los lectores, como por la parte de dibujantes, editores y otras personas relacionadas con este tema.

Lo primero solucionar por parte de los lectores esas anticuadas y estúpidas ideas preconcebidas sobre el manga español de la actualidad. No solucionaremos nada si no se le da una oportunidad a las cosas nuevas. Ser cerrado de mente sólo perjudica al propio lector que no sabe ver más allá de las cuatro serie famosas de turno, pero no es capaz de apreciar todas aquellas pequeñas joyas que se le escapan.

Shinto de Sebastián Riera

También se da el caso de aquellos que dicen "¡el manga es sólo japonés!", y aquí podemos decir que el manga, bien visto, es un estilo de narrativa, no sólo de dibujo ni de autor. Puedes dibujar cómics al estilo de Marvel, o al estilo europeo como al japonés. Ya aprendieron bien la lección los dibujantes americanos al crear un cruce de estilos con la llegada del manga en los noventa y salió una gran generación de dibujantes. No por ser español ese manga no puede poseer esa denominación de manga que sólo indica el tipo de narrativa.

Me hace mucha gracia también, aquellos que dicen que el manga español debe ser aún mejor que el japonés. Eso no se lo creen ni ellos, en el sentido de que hay también mucha morralla dentro del mundo del manga y hay cosas que si fuese un español habría sido lapidado, pero por poseer un nombre japonés, se le ensalza como un gran artista. Triste pero real.

Himawari de Belén Ortega y Rubén García

Claro está que cambiar de parecer al público es bastante difícil, pero bueno, parece ser que con el trabajo de las actuales líneas de manga español que hay en el mercado (unas con más éxito que otras, todo sea dicho) se va cambiando poco a poco y a mejor esa atrasada mentalidad.

Y cambiemos de lado. Las editoriales ya se han dado cuenta de que en nuestro país hay una gran cantera de talentos dispuestos a publicar y dar a conocer lo que puede llegar a hacerse en España, cosa que parece que han "tardado" en darse cuenta. 

Joker de Kaoru Okino

Otra cosa que también hay que nombrar, aparte del buen trabajo de las editoriales, es lo malo de estas. Los autores españoles no son ni de cerca tan bien pagados en su trabajo como sus homólogos americano, japoneses o europeos. Y si bien quieren aprovechar el negocio del manga español, también deben darle más ganancias a los dibujantes, no todo pueden ser ganancias y no dar su parte correspondiente al autor (o autores). Un autor español, no puede vivir de su trabajo como dibujante, de hecho, debe tener otro trabajo, y realizar sus obras quitándose horas de su tiempo libre, algo que desgraciadamente, es casi general en todo el panorama español. Una de cal y otra de arena para nuestro mercado.

En conclusión, el mercado nacional aún puede dar mucho más de si, pero habría que evitar un crecimiento que no ayude para nada al dibujante y lo convierta en otro engranaje más dentro del sistema. El manga español está en su adolescencia y puede alcanzar una madurez genial si se controla de buena manera su crecimiento. Esto es un movimiento que está creciendo y que está dando muestras de que aún puede llegar a más y creo que es de parte de todos que hay que intentar ayudar a ello en todo lo que sea posible.

Bakemono de Xian Nu Studio

Consejos profesionales de Paul Richards

Navegando por ahí, me he encontrado el blog de Paul Richards, que tiene un blog y una web muy interesante. Trabajó como diseñador conceptual en el videojuego Darksiders y realmente no le falta talento ni sorprende el por qué Joe Madureira le dió una oportunidad a la hora de diseñar el mundo post-apocalíptico de este videojuego.

Echándole un vistazo a su blog he encontrado unas cosillas interesantes que creo que conviene conocer y que será útil para dibujantes (que es lo que nos interesa). Podeis encontrar el artículo original en este link.

No puedes hablar de Vigil sin tocar a uno de sus hombres más representativos, el director creativo y leyenda de los cómics Joe Madureira. Para hacernos una idea de cómo es trabajar con Joe, imagina vivir al pie de un volcán, que sin avisar, escupe ríos de arte abrasador. Con el paso de los años he consultado a Joe para secretos, a veces ofreciendo pequeños sacrificios animales, y me he ido con algunos consejos interesantes:

Diseños preliminares de Samael

1. Borra hasta que esté bien: Joe trabaja con lápices de grafito (12 x 2.0mm minas HB + portaminas+ afilador de minas), cubriendo las secciones más acabadas de sus dibujos con un papel para prevenir el emborronamiento y no duda en ningún momento a la hora de borrar algo que crea que no funciona Chris Litchner solía remarcar que Joe "excava una imagen de una página" como un arqueólogo con una reliquia.


2. Trabaja en grande y reduce: A menos que estemos hablando de un boceto hecho en un cuadernillo con un bolígrafo, raramente he visto a Joe dibujar en algo más pequeño que una hoja de 11" x 17". Si se siente confinado o su dibujo está comprometido de alguna manera por los bordes de las hojas, simplemente pegará otra y seguirá dibujando.

Diseños de enemigos

3.Gestos = Energía: Los bocetos de trazo suave y rápido son una maravilla de contemplar. Incluso antes de que ponga detalle, ya puedes ver que ocurrirá. Empieza con formas grandes, generales. Las extremidades o incluso cuerpos enteros comienzan como formas latigueantes, cuñas anamórficas. Las cabezas están indicadas con óvalos. Las manos tienen sus propios mini-gestos. Joe jamás descuidará siquiera en las manos, pues cree que pueden ser tan expresivas como una cara.

4."Genial sobre correcto": Esta era una de las frases recurrentes de Chris Litchner, pero creo que la hizo observando a Joe. Cuando un fan de su serie Battle Chasers le dijo que había una discrepancia de tamaños entre viñetas en uno de los personajes, Joe respondió "La mano de Calibretto es tan grande como necesita en una viñeta para ser impresionante." ¿Puedo darle un amén?

Arte conceptual de escenario

5.Familiaridad es tu amigo: Joe Sabe que el arte es comunicación y que no puedes permitir que el lector se quede ahí intentando descifrar tus intenciones. La imagen ha de golpearle como un puñetazo al estómago, para que inmediatamente digan "Demonios, este tío es un poderoso señor medieval en un entorno de fantasía, y ese hacha que está llevando me cortaría en dos". Si un dibujo requiere una explicación o una historia para poder leerlo, es un mal dibujo.

6.Importancia: Cuando un diseño carece de importancia, a veces puede ser atribuido a parches que no llevan patrones icónicos o características reconocibles. Cuando ves un montón de caras esculpidas, runas grabadas o tatuadas en el trabajo de Joe es por que transforman superficies planas en algo con carácter. Lo que podía ser meramente funcional ahora sobresale como algo memorable.

Arma descartada para la versión final de Darksiders

7."Destrózalo un poco": Cicatrices, desgarros, fatiga, grandes trozos que faltan -- las imperfecciones añaden interés y sugieren historia.

8."Consigue más, haz menos": Creo firmemente que Joe no hace ostentación de sus habilidades hasta el momento en que se necesitan y sólo entonces hará algo impactante, ya sea una ilustración para la portada de una revista, un diseño de videojuego o un pony dibujado para una de sus hijas. Suelo tener la idea de ir a ciegas para coger ideas, o dibujar hasta que algo genial aparece por accidente. Joe no hace esto ni por casualidad. El ya sabe, dentro de unos límites, qué es lo que le va a gustar y cómo llegar a ese resultado, y normalmente está cómodo con ello. En el tiempo en que muchos de nosotros estaremos preguntándonos sobre un dibujo, él ya habrá completado varios, su frase racional "Los dibujos son como aquel anuncio antiguo de Doritos: Machaca todo lo que puedas, que nosotros haremos más." Traducido por Chris Litchner, "No hay nada sagrado... lo genial no está dentro de la obra, sino dentro del artista... y él lo vive... no se queda enganchado a ninguno de sus dibujos."

Diseño descartado de enemigo final

Mangas que deberían salir en España

Todos tenemos una pequeña lista con todos aquellos títulos que nos parecen divinos pero que no vemos que se vayan a traer. Yo lo único que haré en este post será enumerar las series que me parecen más interesantes y que deberían de traerse por una razón u otra. Aviso de que la lista se irá actualizando y no será pequeña.

• Akaboshi
• Arago 
• Area D - Inou Ryouiki
• Beelzebub
• Blood-C
• Bloody Monday
• Cavalier of the Abyss
• Cloth Road
• Dogs: Bullets & Carnage
• Embalming 
• Eyeshield 21
• Ghost Sweeper Mikami
• Glass Mask
• Hokenshitsu No Shinigami
• Hokuto No Ken
• Hokuto No Ken Rei Gaiden
• Immortal Regis
• Jackals
• JoJo's Bizarre Adventures
• Kongoh Bancho
• Kuragehime
• Magico
• March Story
• Medaka Box
• Mx0
• Needless
• Pretty Face
• Psyren
• Samurai High School
• Shin Angyo Onshi
• Souten No Ken
• Switch Girl
• The Breaker
• The Breaker: New Waves
• The World God Only Knows
• Tough
• Wolf Guy
• Zettai Karen Children

Wishlist de cosas que quiero conseguir algún día

Ya hice en el pasado una lista de mangas que quisiera comenzar en España, pero esta vez voy a extenderme más y a incluir títulos tanto de estilo americano como europeo y más cosas que me gustaría conseguir algún día (digamos que esto podría ser una carta de reyes).

MANGA (Licenciado en España)

• Akira - Katsuhiro Otomo (Norma Editorial)
• Alita, ángel de combate (Gunnm) - Yukito Kishiro (Planeta)
• Archlord -Park Jinj-Hwan (Ivrea)
• Bastard!!- Kazuyi Hagiwara (Planeta)
• Berserk - Kentaro Miura (Glénat)
• Black Jack - Osamu Tezuka(Glénat)
• Blame - Tsutomu Nihei (Glénat)
• Blood+ - Asuka Katsura (Norma Editorial)
• Blood+ Adagio - Kumiko Suekane (Norma Editorial)
• Blood+ Ciudadela Nocturna - Hirotaka Kisaragi (Norma Editorial)
• Erementar Gerad - Mayumi Azuma (Ivrea)
• Erementar Gerad: Flag Of Bluesky - Mayumi Azuma (Ivrea)
• I's - Masakazu Katsura (Planeta)
• La Leyenda de Madre Sarah - Katsuhiro Otomo y Takumi Nagayasu (Norma Editorial)
• Priest - Min-Woo Hyung (Norma Editorial)
• Tenjou Tenge - Oh! Great (Norma Editorial)
• Trigun y Trigun Maximum - Yasuhiro Nightow (Glénat)
• Trinity Blood - Kiyo Kyujyo, Sunao Yoshida (Norma Editorial)
• Vagabond - Takehiko Inoue (Ivrea)
• Yu Yu Hakusho - Yoshihiro Togashi (Glénat) 

MANGA (Licenciado en Estados Unidos)

• Eyeshield 21 - Riichiro Inagaki y Yusuke Murata (Viz Media)
• Jack Frost - GO Jin-Ho (Yen Press)
• Jojo's Bizarre Adventure - Hiroiko Araki (Viz Media)

  
CÓMIC AMERICANO Y EUROPEO (Licenciado tanto en España como en el extranjero)

• Avenging Spiderman - Joe Madureira (Marvel)
• Battle Chasers Anthology - Joe Madureira (Image)
• Blacksad Integral (edición en catalán) - Juan Díaz Canales y Juanjo Guarnido (Norma Editorial) 
• Empowered - Adam Warren (Dark Horse Comics)
• Sangre Real - Alejandro Jodorowsky y Dongzi Liu (Glénat)
• Yo, Dragón - Juan Giménez (Norma Editorial) 

OTRAS COSAS (Sobre todo cosas de dibujo)

• Afilador de minas de 2.0mm
• Cepillo de plumas (para quitar los resíduos de goma)
• Goma blanda (para dibujo)
• Plantilla de óvalos
• Plantilla de círculos
• Portafolios tamaño A3 con cremallera
• Regla de curvas
• Rotulador pincel Pentel
• Set de reglas de Faber Castell
• Set variado de plumillas de manga
• Wacom Cintiq 24" HD 

Y visto que este tipo de listas nunca están completas cuando se hacen, la iré editando y añadiendo más elementos de todo tipo.